En 1909, Robert Delaunay a rencontré Sonia Terck, une jeune artiste d’origine russe (1885 Odessa -1979 Paris), qu’il épouse en 1910. Leur fils Charles naît en 1911. Toutes les facettes de la création de Sonia Delaunay (fauvisme et abstraction, peinture de chevalet ou art décoratif) traduisent sa fidélité à la couleur pure, exaltée par la loi des " contrastes simultanés ". Sous son influence, Robert Delaunay développera dans son travail une sensibilité plus instinctive à la couleur.
Sonia Delaunay s’intéresse dès 1913 à la création de tissus colorés et travaille sur des robes et des gilets simultanés, tout en continuant parallèlement à peindre. En 1925 elle participe à l’Exposition des Arts décoratifs et présente avec le couturier, Jacques Heim, une boutique, " La boutique simultanée ". L’artiste deviendra spécialiste en matière d’art vestimentaire et de l’influence de la peinture sur celui-ci. Progressivement, dans les années 30, elle délaissera les Arts décoratifs en faveur de la peinture, activité qu’elle exercera jusqu’à la fin de sa vie.
Sonia et Robert Delaunay. Son oncle, un érudit bon vivant, la guide à travers le Paris artistique des années 10-40. Ils sont nés l’un et l’autre en 1885. Lui est Français ; elle est Russe. Tous deux sont artistes. Ils se marient en 1910. Pour ce couple qui "s’est uni dans l’art comme d’autres se sont unis dans la foi ou dans l’alcool", la structure colorée devient alors à la fois la forme et le sujet de leur oeuvre. Ils créent la peinture inobjective qui cherche à exprimer le rythme de la société moderne selon leur conscience perceptive.
Robert et Sonia Delaunay
Si les carrières de Robert (1885-1941) et Sonia Delaunay (1885-1979) sont indissociables, chaque ensemble porte la griffe de leurs personnalités.
Celui de Robert s’ouvre sur des paysages impressionnistes et des scènes bretonnes, peints entre 1903 et 1905 et marqués par la double influence de Monet et de Gauguin.
Chez Sonia, d’importants portraits fauves aux couleurs violentes cloisonnées (Jeune Finlandaise, 1907) attestent que la leçon de Gauguin et de Van Gogh n’a pas effacé l’empreinte du primitivisme caractéristique de la peinture russe contemporaine.
Une oeuvre manifeste portant au recto le dernier chef-d’oeuvre de la période fauve de Robert, l’Autoportrait de 1906, et au verso, un Paysage au disque de facture divisionniste incarne le tournant d’un art désormais entièrement fondé sur la couleur et la loi des contrastes simultanés antérieurement exploitée par Signac et Seurat.
Passant de la déconstruction cézannienne, géométrique, de la forme à sa reconstruction par la couleur seule, dans une phase baptisée "cubisme orphique" par le poète Guillaume Apollinaire, les Delaunay aboutissent, en 1912, à une peinture pure, abstraite, où la couleur est forme et sujet (Sonia Delaunay, Contrastes simultanés, 1912).
Sonia l’élargit à tous les domaines des arts décoratifs et de la mode, par la création d’objets illuminés de couleurs (Couverture, 1911) pour son fils Charles. Ces reliures de livres illustrés, projets d’affiches, de publicités, tissus, concrétisent son esthétique de synthèse des arts.
Durant la Première Guerre mondiale, les deux artistes partent en Espagne et au Portugal d’où ils rapportent des scènes pittoresques de la vie populaire (Marché au Minho, 1916 Sonia Delaunay) traduites en disques simultanés exprimant, selon Sonia, "la lumière, la richesse et la force des couleurs" locales.
Dans les années 30, ils rejoignent le groupe Abstraction-Création défendant l’art non figuratif, constitué par Herbin, Van Doesburg et Hélion : c’est l’époque des Rythmes déroulant à l’infini la formule du disque simultané.
L’Exposition Internationale des arts et des techniques de 1937 à Paris est l’occasion pour les tenants de l’art total de donner une dimension publique et monumentale à l’abstraction.
A la fois chefs d’équipes, peintres et décorateurs, les Delaunay vont participer à la grande aventure collective de l’art dans la rue, encouragée par le Front Populaire.
Au Palais des chemins de fer et de l’air, les disques colorés, peints ou taillés en relief dans le bois, s’emparent des murs, intégrant les décors à l’architecture, avant de rejoindre les salles de l’ancien Musée d’art moderne au Palais de Tokyo
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